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Entrevistas

Pat Mastelotto: “No puedo prometer una fecha exacta aún, pero es seguro que King Crimson visitará Sudamérica”

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Dentro de la amplia cartelera musical que tendremos durante este 2016, los nombres de TU y O.R.k. se asomaron de la nada, sorprendiendo al público local. Con destacadas figuras de la escena del rock progresivo, estos shows llegarán bajo la tutela de Pat Mastelotto, baterista de King Crimson y encargado de las baquetas en ambos proyectos. Conversamos con él acerca de sus inicios en la música, sus planes a futuro y la especial relación que tiene con nuestro país, donde se ha presentado con una diversidad de proyectos alternos. A continuación, los dejamos con la pequeña entrevista que el baterista estadounidense tuvo con nosotros:

En los ochenta ganaste reconocimiento junto a la banda Mr. Mister, de la que fuiste uno de los fundadores. ¿Qué puedes contarnos sobre ese exitoso período?

¡Fue la escena rockera de Los Angeles en los 80! Mucho sexo, drogas y rock & roll, tal como en las películas. Me mudé a aquella ciudad a mediados de los 70, con alrededor de 17 años y el sueño de grabar discos, muchos discos con diferentes artistas. Siempre pensé que sería lo más genial del mundo estar en un montón de bandas, ser un músico de sesión. De hecho, en Mr. Mister eran todos muy buenos cantantes, escritores y músicos, e hicieron montones de otros discos y material de sesión.

Con Mr. Mister visitaron Chile en 1988, presentándose en el Festival de Viña del Mar. En ese show, el vocalista Richard Page hizo unas declaraciones en contra del gobierno, teniendo que retractarse minutos después. ¿Qué te pareció ese momento tan particular?

Bien, puedo decirte que Richard no se arrepintió, él es demasiado terco para eso. Antes, en el vuelo, nos contó que iba a hacer una declaración para Amnistía Internacional. Cuando llegamos, habíamos extraviado nuestros instrumentos y todo fue un desastre, por lo que nuestra actuación fue retrasada. No recuerdo que hayamos tenido prueba de sonido, pero sí que hubo un montón de problemas técnicos con nuestro equipamiento: la batería electrónica y los secuenciadores estaban con apagones y cosas así. Entonces yo estaba enfocado en mis asuntos cuando miré hacia adelante y vi a Rich con su puño en el aire. Recuerdo que me dijo: “Cuando veas mi puño en el aire, comienza a tocar ‘Broken Wings’“, y así lo hice. Luego, parece que se desató un caos: policías y soldados se pusieron al costado del escenario, intimidando a nuestro equipo para que le comunicaran a Rich y (Steve) Farris que se bajaran, quienes se fueron, ignorándonos. El público comenzó a ponerse hostil. Como saben, las primeras filas eran de gente adinerada, y nos hacían el gesto de cortarnos la cabeza. Obviamente desconectaron todo, nos llevaron a piezas separadas y nos pidieron que saliéramos a decir que no sabíamos lo que hablábamos. A mí me pidieron que le dijera a Richard que saliera e hiciera eso, que se argumentara diciendo que no sabía español y que le habían entregado una nota con esas palabras, de las cuales no entendía ni una sola. Cuando Richard salió a disculparse, todo lo que dijo fue: “Soy un músico, no un político. ¡Los amo a todos!“, haciendo una cruz con las manos. Dos o tres días después, nos entregaron la antorcha (risas).

En 1994 comenzaste a trabajar con King Crimson, ¿Cómo terminaste siendo parte inamovible de la banda?

En 1993 trabajé con Davis Sylvian y Robert Fripp, con Trey Gunn también en ese conjunto. Unas semanas después de que nos despidiéramos al final de aquella gira, Robert me llamó invitándome a King Crimson. Fue así como inició la formación del “doble trío”, tocando junto a Bill Bruford.

Uno de los grandes contribuidores en tus proyectos ha sido tu compañero en King Crimson, Trey Gunn. ¿Cómo fue la creación de bandas como TU o KTU?

Trey y yo somos buenos “compañeros rítmicos”, hemos estado muchas horas juntos tratando de reinventarnos. Después que finalizamos el álbum “The Power To Believe” (2003) de King Crimson, nos decidimos a grabar algunas pequeñas ideas que quedaron abandonadas. Fui a Seattle, donde Trey vive, e hicimos nuestro único trabajo de estudio a la fecha. Fue toda una odisea con nuestros shows en vivo siendo tan multimedias, ya que usábamos videos que Trey preparaba mientras interpretábamos nuestra música. Como Trey y yo éramos TU, encontramos otros dos músicos, así que mientras tocábamos cada show podía ser algo especial. Los primeros dos músicos que contacté fueron Kimmo Pohjonen y Samuli Kosminen, dos monstruos finlandeses de la world music futurista, y a eso le llamamos KTU. Deberían echarle un vistazo, por ejemplo, a “Absinth”.

Hace tan sólo un año estuviste en nuestro país con Tony Levin y Markus Reuter, tocando como Stick Men. ¿Qué recuerdos tienes de ese show?

¡Vaya! Ayer justamente finalizamos un tour de seis semanas con Stick Men, y estuvimos conversando sobre regresar a Sudamérica. Stick Men tiene un nuevo disco llamado “Prog Noir”, que saldrá muy pronto, por lo que hay muchos planes a futuro. Todos nuestros shows en Santiago fueron en el mismo lugar, así que se me vienen a la mente muchos recuerdos de presentaciones pasadas, como el de 2010, sólo un par de días después del enorme terremoto. Todos los conciertos en Chile han sido muy emotivos; nos recargamos de mucha energía de amigos y fans muy entusiastas, en una estancia muy corta. El último viaje que hicimos fue bastante breve, creo que sólo estuvimos en el país 24 horas.

King Crimson girará por Europa entre septiembre y octubre este año. ¿Te gustaría traer ese show a Sudamérica?

¡Sí, me encantaría! ¡No puedo esperar, no puedo esperar! Será fantástico. No puedo prometerles una fecha exacta aún, pero es seguro que King Crimson visitará Sudamérica, estamos presionando.

Durante esta gira tendrás a Jeremy Stacey como tu nuevo compañero en la batería, reemplazando a Bill Rieflin. ¿Cómo ha sido la experiencia de tocar junto a alguien nuevo para la banda?

No he conocido a Jeremy aún, pero él es un músico asombroso, tal como Bill, por lo que parece la elección perfecta.

¿Puedes contarnos sobre algún nuevo proyecto, colaboración o futuros planes?

Sacamos un nuevo disco con Naked Truth, titulado “Avian Thug”. Esta banda es un proyecto paralelo que hago con Lorenzo Feliciati, Roy Powell y Graham Haynes. Música bastante buena.

También está KoMaRA, que soy yo junto al guitarrista eslovaco David Kollar y el trompetista italiano Paolo Raineri. Hicimos un muy buen disco, el cual definitivamente deberían revisar. Mención aparte para el arte del álbum, un fantástico trabajo hecho por Adam Jones de Tool.

En tu próxima visita traerás dos de tus proyectos, TU y O.R.k. ¿Cómo te preparas para enfrentar la intensidad de tocar dos sets seguidos?

Ningún problema, en lo absoluto. Por lo menos no físicamente. Tocar dos sets seguidos significa que pasaré más tiempo con el técnico de sonido. Por cierto, llevaremos un gran técnico en sonido proveniente de Italia. O.R.k. es muy enérgico en el escenario, esperen a ver a Carmelo (guitarrista) y sabrán de lo que hablo. ¡Es material de muy alto voltaje! Nuestros últimos shows con O.R.k. fueron en Europa sólo unos meses atrás, así que vamos con un set muy reciente, llevando también nuestra configuración de la mesa de sonido idéntica a la de la última gira. En cuanto a Trey y yo, no hemos tocado como TU en varios años, así que nos encontraremos en México un par de días antes para prepararnos bajo la influencia del tequila (risas).

No hay duda de que el público está muy emocionado de escuchar tu música en vivo. ¿Estás sorprendido del recibimiento que esta tiene en nuestro país?

Sí y no. Siempre son sorprendentes los datos demográficos de quienes vienen a nuestros shows. Son conciertos donde hay un montón de aficionados, gente que ama la música extranjera y están por todo el mundo apoyando la música progresiva, el jazz, world music, cosas que no escucharás en la radio.

¿Qué podemos esperar de tu próxima visita a Chile?

Vengan al show sin expectativas y quizás podamos sorprenderlos.

¿Puedes decir algunas palabras para tus fans en Chile?

¡Paz, amor y pisco! (Risas).

Por Manuel Cabrales

Entrevistas

Burnout Syndromes: “Queremos que incluso si alguien no entiende el japonés, pueda disfrutar nuestras canciones”

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Desde Japón hacia el mundo. Así de exigente es la misión que Burnout Syndromes se ha propuesto y que, a punta de determinación y arduo trabajo, han ido logrando poco a poco para posicionarse en la escena internacional gracias a su participación en populares series de animación como “Haikyuu!!“, “Dr. Stone” o “Gintama“, aportando la canción de apertura de estos reconocidos animé. Esa creciente exposición les ha permitido recorrer el mundo y llegar hasta instancias tan inesperadas como un show en Santiago de Chile, donde se presentarán los días 18 y 20 de mayo como parte de Super Japan Expo, que celebrará su versión 2023 durante estos días en Estación Mapocho.

Junto con todo lo anterior, este 2023 la banda celebra 18 años desde su formación, estrenando un álbum recopilatorio llamado inteligentemente “The WORLD Is Mine“, casi como estableciendo una declaración de principios con lo que quieren conseguir de la mano de sus canciones. Previo a su show en la capital, nos reunimos con la banda para conversar un poco sobre los desafíos de representar a Japón en el mundo, el proceso creativo detrás de su música, sus metas para el futuro, entre otros temas. Te dejamos la entrevista completa, que puedes leer a continuación.

Primero que todo, muchas gracias por conversar con nosotros. Partamos hablando por su aniversario como banda, cumplieron 18 años hace muy poco, por lo que quiero preguntarles ¿cuál consideran que ha sido el mayor logro en su carrera?

El momento más importante que hemos tenido fue cuando el avión se atrasó cinco horas para venir a Chile (risas). Estamos bromeando, ha sido una carrera muy larga así que hemos tenido muchos momentos muy importantes, dentro de esos por supuesto en venir hasta Chile, es uno de los más grandes que hemos tenido. De todas formas, entre tantos momentos buenos es imposible elegir solamente uno.

Se ve un gran deseo en ustedes por ser una banda global, lo que es contrario a bandas japonesas más antiguas que son muy populares allá pero nunca han logrado o intentando siquiera salir al mundo. ¿Creen que hay una mayor ambición en la nueva generación del rock japonés?

Es una pregunta muy profunda, es difícil de responder pero es una muy buena pregunta. Creemos que es algo que hemos pensado mucho en el último tiempo, ya que hemos sido llamados de varios países para ir a tocar últimamente, aunque en general no sé si es algo que hubiésemos deseado. Nos gusta mucho el animé y el manga desde niños, así que nuestro sueño era hacer una canción que se pudiera usar como el tema principal de una serie. En la medida que íbamos haciendo música y generábamos un vínculo con ella, nos llamaron y nos ofrecieron hacer canciones para animé, lo que fue de mucha suerte porque eran series muy conocidas en todo el mundo, así que eso permitió que nosotros también podamos serlo. Para nosotros, que algo que nos gustara tanto se conectara con llegar a nuestra salida hacia el mundo, es un poco una casualidad pero también obra del destino. Entre la música japonesa y la occidental, preferimos más la segunda, así que intentamos incluir algunos de esos elementos en el groove de nuestras canciones, queremos que la música se entienda desde el cuerpo, queremos que incluso si alguien no entiende el japonés, pueda disfrutar nuestras canciones desde la melodía y el ritmo. Eso ha ayudado a que nuestra música conecte con el resto del mundo y podamos llegar hasta lugares como Chile para presentarnos.

Mi siguiente pregunta va por ese lado, precisamente. Grabaron una nueva versión de “FLY HIGH!!” con la letra en inglés, y cuando otras bandas japonesas han hecho esto el recibimiento no ha sido el mejor. Pienso en el caso de X JAPAN, que cuando cantaban sus canciones en inglés no eran muy bien recibidas por los fans, pero con ustedes fue todo lo contrario. ¿Han pensado en grabar un disco con reversiones cantadas en inglés?

Nos sorprende mucho saber que la canción tuvo un buen recibimiento. Al estar en Japón no teníamos idea que le había ido tan bien a esta nueva versión, así que no hemos pensado en lo que nos preguntas. Es una muy buena noticia, y aunque no lo hemos analizado, es una posibilidad hacer un disco con versiones en inglés, siempre que el público lo quiera. Esperamos que la gente nos comente en nuestras redes sociales y nos apoye, para así estar al tanto cuando quieran que hagamos más canciones en inglés.

Hablemos del proceso creativo de la banda a la hora de componer una canción para algún animé. Entiendo que principalmente se inspiran leyendo el manga pero no sé si esto siempre es así. ¿Les pasa que a veces ya tienen una canción y deciden trabajarla para que sea usada en la serie?

Muchas gracias por revisar algunas de nuestras entrevistas para esta conversación, estamos muy entretenidos respondiendo porque traes muy buenas preguntas (risas). Son todas muy certeras, se nota que estás muy bien preparado

Les agradezco mucho, genial que podamos tener una grata conversación.

Respondiendo a lo anterior, en general tenemos dos patrones para componer estas canciones. Generalmente, si es que el tiempo lo permite, cuando nos llega una solicitud para una canción de animé intentamos entregar dos propuestas, una canción que ya teníamos desde antes con la letra ajustada para lo que se necesite en el momento, y otra que sea creada desde cero inspirándose en el manga original o la obra animada. Entre las dos opciones, el equipo de producción del animé hace una selección, la que siempre es más o menos pareja entre una y otra. Dicho esto, insistimos en que son muy buenas preguntas, nunca nos habían preguntado este tipo de cosas y estamos muy agradecidos.

No hay de qué, muchas gracias nuevamente. La siguiente pregunta es para Kazuumi, entiendo que una de sus metas es hacer la banda sonora para un animé, ¿tienes algún animé o género en mente que te gustaría trabajar cuando logres cumplir ese objetivo?

Efectivamente, uno de mis sueños es poder hacer la banda sonora para un animé o película, aunque lamentablemente no se ha dado la oportunidad. En un momento se habló de poder hacer la banda sonora de un videojuego, pero el proyecto se tuvo que detener en un momento, así que no hay nada por ahora. En la industria del animé hay gente especialista que se dedica exclusivamente a la producción de bandas sonoras, entonces no es como llegar y entrar a hacer eso, pero quiero intentarlo y trabajar arduo para lograr eso. Espero algún día hacer una banda sonora para un animé.

Se nos acaba el tiempo, así que vamos con una última pregunta para cada uno: ¿cuál es la meta que tienen como músicos para el futuro?

Taiyu Ishikawa: El animé es parte de la cultura de Japón, así que me gustaría poder llevar esa cultura a todo el mundo a través de nuestra música.

Takuya Hirose: Desde el año pasado hemos recibido muchas ofertas para tocar en distintos países del mundo, pero aún no logramos tener un concierto solo para nosotros, solo en festivales o convenciones. Queremos seguir creciendo para eventualmente tener nuestros propios conciertos en otros países.

Kazuumi Kumagai: Uno de mis sueños es lograr ganar un Grammy. Lo veo desde la perspectiva que, hasta ahora, no se ha visto mucho que un japonés gane un Grammy, probablemente porque lo que funciona musicalmente para el oído japonés es muy distinto para lo que va bien en el resto del mundo. Siento que en nuestra música en particular, puede haber algo que resuene más con el resto del mundo, no solo con Japón, así que estamos aprovechando esta gira internacional para saber qué funciona bien en el mundo y lograr mezclar eso con lo nuestro, algo que se puede hacer solamente en Japón. Esperamos que esa formula nos haga ganar un Grammy ya sea tocando, produciendo, o de la manera en la que sea.

Muchas gracias por su tiempo, chicos. Nos vemos en el show.

Gracias a ustedes por la conversación, ¡nos vemos!

Burnout Syndromes se presentará los días 18 y 20 de mayo en Estación Mapocho como parte de Super Japan Expo 2023. Toda la información sobre el evento la encuentras ACÁ.

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