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Entrevistas

Mark Kelly de Marillion: “Sin el éxito de ‘Kayleigh’ quizás no estaríamos haciendo música hoy”

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El próximo mes de mayo recibiremos una nueva visita de la banda inglesa de rock progresivo, Marillion, esta vez por partida triple, con un show en el Teatro Municipal de Valparaíso el próximo 5 de mayo, y dos shows en la capital, uno de ellos el 7 de mayo en el Teatro Caupolicán, y el último al día siguiente en el Teatro Nescafé de las Artes, siendo este un concierto especial bautizado como “The Progressive Dream”, donde el grupo presentará canciones más extensas y poco comunes en sus repertorios habituales. Con motivo de estos conciertos, pudimos conversar en extenso con Mark Kelly, tecladista del grupo desde el año 1981, quien nos contó detalles de su próximo arribo a la capital, un adelanto de lo que se será el nuevo disco que lanzarán en septiembre, su opinión sobre el panorama musical y el rock progresivo en estos días, entre otros temas.

Esta vez realizarán tres shows en Chile, siendo el del Teatro Caupolicán grabado para un registro audiovisual oficial de la banda. Entre todos los países del mundo, ¿por qué eligieron Chile para desarrollar esto?

No, no, eso no va a pasar. Quizás lo hagamos en otro momento, pero esta vez decidimos que, por temas logísticos, no vamos a grabar nada.

Está noticia es bastante impactante, tomando en cuenta que acá en Chile todos los fanáticos están a la espera de eso, ya que el show se ha promocionado en todas partes de esa forma. ¿Fue una especie de malentendido?

Fue algo de lo que hablamos en un momento, pero no sabemos por qué la producción lo anunció, siendo que todavía no estaba decidido de forma definitiva. No sé en qué momento la comunicación se fracturó, pero quizás en una próxima oportunidad lo hagamos. Nos encanta la idea de grabar un DVD en vivo en Chile porque los fanáticos son increíbles, y creo que tenemos que hacerlo en el futuro, pero ahora tenemos una serie de compromisos pendientes, como la grabación de nuestro nuevo disco, que no hemos terminado aún, y esperamos tenerlo listo para la fecha en que empieza el nuevo tour y poder tocar algunas canciones nuevas en esos conciertos. Esa fue una de las razones por las que decidimos no grabar el DVD en esta nueva visita.

Entonces, supongo que tampoco podremos escuchar algún adelanto de lo que están preparando en estos nuevos conciertos que realizarán en nuestro país.

Tampoco. Es una pena, pero esperamos hacerlo la próxima vez que volvamos a presentarnos por allá.

Habiendo clarificado esto y aprovechando que estamos hablando del nuevo disco que esperan estrenar en septiembre, debo decirte que el nombre, “F.E.A.R. – Fuck Everyone And Run” me dejó medio descolocado. ¿Podrías explicar cuál es el concepto detrás de esta nueva producción?

No es realmente un disco conceptual. Serán cuatro canciones en total, tres de ellas bastante extensas, de quince minutos cada una, y hablan de las cosas que han estado pasando en el mundo durante estos últimos años, desde la crisis financiera de los bancos, hasta los escandalosos casos de corrupción en Brasil, donde incluso la presidenta está involucrada, entre otros acontecimientos que nos dejan ver que el mundo está pasando por un momento bastante malo. Quisimos usar la palabra “fear” (“miedo” en español) porque la gente está asustada. En Europa, por ejemplo, tenemos el problema de los refugiados que vienen desde Siria, personas que llegan con mucho temor a buscar nuevas oportunidades. Después tenemos a los poderosos, a la gente con dinero, y ellos son los que se cagan a todo el mundo y después se echan a correr (risas). De ahí es de donde viene el título; las letras tratan sobre estos temas, sobre lo que está ocurriendo en el mundo en estos días. En cuanto a la música en sí misma, que ha sido siempre la protagonista en nuestro trabajo, al tener estos temas tan fuertes, está bien heavy. Musical y líricamente este será un álbum bastante pesado, con muchos momentos musicales increíbles que de seguro los fanáticos disfrutarán. A nosotros, por lo menos, nos encanta como está saliendo todo.

Volviendo al tema de las presentaciones que realizarán en Santiago, existe este show bautizado como “The Progressive Dream”, que será un concierto excepcional, donde tocarán material de su etapa más progresiva. ¿Podrías contarnos algunos detalles sobre cómo será esa jornada?

Como íbamos a realizar dos conciertos en Santiago, queríamos hacer algo especial. Uno de los shows, el del Teatro Caupolicán, será muy parecido al que realizaremos en toda la gira por Sudamérica, pero para el segundo recital tenemos preparadas canciones más largas, otras muy antiguas que no hemos tocado hace mucho tiempo, y no te diré mucho porque me parece bueno que la gente se lleve una sorpresa. Es el único recital donde tocaremos estas canciones, por lo que espero que la gente que vaya, que de verdad se sorprenda. Sólo reiteraré que escucharán canciones muy muy antiguas. No serán muchas, pero sí muy extensas.

Ustedes realizan estos eventos llamados “Marillion Weekends”, donde se toman un fin de semana completo en algún país o ciudad para tocar en lugares más íntimos con sus fanáticos, u organizar eventos exclusivos como “The Progressive Dream”. ¿Podríamos considerar estas tres fechas en el país como una suerte de “Marillion Weekend”?

Sí, podríamos hacerlo. Nos encantaría la idea de realizar uno oficial en Chile. Tenemos la certeza de que no ocurrirá en el corto plazo, pero es algo que definitivamente nos gustaría hacer. Sabemos que el público chileno es el idóneo para llevar a cabo un “Marillion Weekend”. Cada vez que vamos para allá lo disfrutamos mucho, nos sentimos muy bienvenidos por todos, y su entusiasmo por la música es fabuloso. Logísticamente es complicado concretarlo, porque estamos al otro extremo del mundo. Usualmente los hacemos en Europa, porque nos es más fácil organizar todo. Tampoco haremos uno en Canadá el próximo año, estamos buscando un nuevo lugar para el evento y nos gustaría que fuera Santiago, sería nuestra primera opción, pero, como te comenté, por razones logísticas es muy difícil que ocurra, aunque sería genial hacerlo en algún momento en el futuro.

Marillion fue una banda pionera a la hora de usar internet como herramienta para difundir su música. ¿Cómo ves a la industria musical en estos días? ¿Qué opinas de las plataformas de streaming como Spotify?

Creo que está difícil para los nuevos artistas. Nosotros estamos bien, después de todo podemos hacer una buena vida de esto. Seguimos vendiendo suficiente música, además de la gran audiencia que nos sigue vía internet. Para nosotros internet ha sido algo muy bueno, pero también puedo entender a los artistas que se han visto perjudicados por ella. Para los músicos emergentes es mucho más difícil, porque es menos dinero el que la gente está dispuesta a pagar hoy por música, ya que todos esperan obtenerla gratis. Puede ser porque pertenecemos a generaciones distintas, pero los tipos que están en sus treinta, cuarenta o cincuenta años están dispuestos a pagar por la música. En cambio, los veinteañeros o los adolescentes de ahora no pagan por la música y piensan que no corresponde hacerlo, aunque deberían, porque esta no se produce gratis y la gente se olvida de eso. Si quieren música en sus vidas tienen que saber que hay alguien que debe pagar por ella, por lo que es una pena que ocurra este fenómeno. Aun así, me mantengo optimista sobre el futuro de la música. Internet puede ser una fuerza positiva, y como banda hemos podido tomarla y realizar cosas geniales, como exitosas campañas de crowdfunding, donde participa un montón de gente y eso es increíble. Esa es una manera de continuar haciendo música, recibiendo el apoyo y soporte de tus propios fans. Estamos pasando por tiempos interesantes para la música; hace poco leí que, por primera vez en la historia, la industria está generando más dinero a través de las descargas legales y plataformas de streaming que con la venta de CD’s o cualquier otro formato físico. Pero aun así, es cierto y entiendo que para los jóvenes es muy difícil lograr hacer una carrera de esto en los tiempos que corren.

De hecho, muchas estrellas del rock han dado como consejo a los músicos noveles que, si pretenden ganar dinero, no se dediquen a la música.

Es que hoy el problema ni siquiera es sólo la piratería, también existe Google o YouTube, donde la gente puede escuchar tú música sin recibir un centavo a cambio. Incluso, si no quieres que tu trabajo esté en YouTube, la gente la va a subir de todas formas y después tienes que estar pidiéndoles que la quiten, y de momento en que lo hacen otro video ya está en línea. Existe la posibilidad de decirle a Google “De acuerdo, puedes tener mi música y yo me quedó con los ingresos por la publicidad”, o reservarte tus derechos, pero aun así vas a tener que estar pidiéndoles una y otra vez que la saquen del sitio, y eso no está bien. Sin embargo, me mantengo optimista, creo que las cosas mejorarán y que los músicos nuevos podrán hacer una vida de esto. Incluso si tienen que tomar un trabajo aparte para sostener sus carreras, tengo la esperanza de que podrán salir adelante, y merecen que así sea, porque hoy hay personas que están haciendo cosas notables y deben ser escuchados. Nosotros fuimos muy afortunados por haber tenido el privilegio de poder hacer una carrera por el sólo hecho de crear música.

Y ya que estas hablando de músicos emergentes, ¿existe algún músico o banda nueva que estés escuchando en estos momentos y te gustaría recomendar?

La verdad es que con lo del nuevo disco no he tenido tiempo para ponerme a escuchar otras bandas. Sí he podido revisitar algunos álbumes antiguos de gente que admiro mucho, pero honestamente no me he dado el tiempo para conocer nuevos grupos.

Hace unas semanas tuvimos la oportunidad de entrevistar a Steven Wilson, con el motivo de la última visita que realizó a nuestro país, en un show que agotó todas las entradas, fenómeno que se repite con Marillion cada vez que vienen por estos lares. Steven dio sus reflexiones sobre este tema. ¿Qué nos podrías decir tú sobre este fanatismo del público local por el rock progresivo?

No lo sé (risas). Lo siento, pero no puedo mentir con eso, a pesar de que me parece espectacular. La primera vez que fuimos a Chile no teníamos idea de lo popular que éramos por allá, porque en ese tiempo nunca escuchamos mucho de nuestros fanáticos chilenos. Lo mismo nos ocurrió cuando tocamos por primera vez en Brasil. No fue hasta los noventa en que pudimos visitar Sudamérica, y antes de eso, como era tan lejos para nosotros, no nos imaginábamos la llegada que teníamos con la gente. De nuevo, no sé el cómo ni el porqué de este fanatismo en su país, pero es maravilloso y lo agradecemos siempre que viajamos a verlos. Es genial.

Hablando de Steven Wilson, ¿qué opinas de la bandera que ha tomado por el rock progresivo durante este último tiempo? ¿Has podido escuchar algo de sus trabajos más recientes?

Steven es como una fuerza de la naturaleza. Todo lo que ha hecho, desde componer hasta remezclar trabajos de Yes o Jethro Tull, lo hace con sumo cuidado y dedicación. Lo conozco desde hace mucho tiempo y él es un amigo de Marillion. Trabajó con nosotros en algunas mezclas y estoy seguro que volveremos a trabajar juntos en el futuro. He escuchado mucho de su trabajo con Porcupine Tree, también algo de su material como solista y me encanta que haga cosas tan distintas. Me gusta Blackfield, aunque ya no trabaja en ese proyecto, era otra de sus bandas que disfrutaba mucho. Me gusta lo que está haciendo y soy un fanático de su música.

Mi última pregunta puede sonar un tanto controvertida, pero muchos fanáticos y seguidores de la banda se la han hecho durante años: ¿Creen que el éxito del sencillo “Kayleigh” en un momento llegó a opacar a la propia banda y lo que esta hizo en el futuro?

Creo que es una buena canción, y muchas bandas tienen ese sencillo que se transforma en su gran canción. Para nosotros fue el gran hit de nuestra carrera y tuvimos que aceptarla de esa manera, porque sin ella quizás no estaríamos haciendo música hoy. Fue un gran potenciador para Marillion, a la vez que tuvimos que lidiar con el hecho de que todo el mundo la conociera y esperara que la tocáramos en cada uno de nuestros shows. Durante mucho tiempo no la tocamos, pero puedo asegurarles que la tocaremos cuando vayamos a Chile. Durante los noventa, cuando Steve Hogarth se no unió en reemplazo de Fish, no la tocábamos porque representaba al “viejo Marillion”, y nosotros estábamos comenzando una nueva etapa con Steve y tomamos la decisión de no tocarla. Esa decisión se mantuvo durante diez años, pero hoy suficiente tiempo ha pasado y estamos felices de tocarla, Steve está feliz de cantarla, y hay que encontrar un balance entre lo que la gente quiere escuchar, tocar algo que sea más exigente musicalmente y presentar tu nuevo material. Los fanáticos disfrutan escuchar los clásicos de siempre y “Kayleigh” es una de sus favoritas. Está claro que muchos de los seguidores más hardcore del grupo piensan “Oh no, no ‘Kayleigh’ de nuevo, ya la han tocado infinitas veces”. A ellos también los entiendo, pero es una canción que nos agrada bastante; aunque la toquemos mucho, nos gusta hacerlo y creo que eso bueno.

Bueno, Mark, el tiempo se nos acaba y antes de despedirme te quiero pedir que le envíes un mensaje a los fanáticos que esperan verlos en Santiago y Valparaíso.

Claro que sí. Amigos de Chile, estamos ansiosos por volver a verlos y tocar para ustedes en estos nuevos shows. Habrá muchas sorpresas y esperamos pasar una velada increíble junto a todos nuestros fanáticos chilenos, recibiendo ese calor al que nos tiene habituados y nos encanta.

Muchas gracias por tu tiempo, Mark, nos vemos en mayo.

Gracias a ti. ¡Nos vemos, pronto!

Por Sebastián Zumelzu

Entrevistas

Burnout Syndromes: “Queremos que incluso si alguien no entiende el japonés, pueda disfrutar nuestras canciones”

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Desde Japón hacia el mundo. Así de exigente es la misión que Burnout Syndromes se ha propuesto y que, a punta de determinación y arduo trabajo, han ido logrando poco a poco para posicionarse en la escena internacional gracias a su participación en populares series de animación como “Haikyuu!!“, “Dr. Stone” o “Gintama“, aportando la canción de apertura de estos reconocidos animé. Esa creciente exposición les ha permitido recorrer el mundo y llegar hasta instancias tan inesperadas como un show en Santiago de Chile, donde se presentarán los días 18 y 20 de mayo como parte de Super Japan Expo, que celebrará su versión 2023 durante estos días en Estación Mapocho.

Junto con todo lo anterior, este 2023 la banda celebra 18 años desde su formación, estrenando un álbum recopilatorio llamado inteligentemente “The WORLD Is Mine“, casi como estableciendo una declaración de principios con lo que quieren conseguir de la mano de sus canciones. Previo a su show en la capital, nos reunimos con la banda para conversar un poco sobre los desafíos de representar a Japón en el mundo, el proceso creativo detrás de su música, sus metas para el futuro, entre otros temas. Te dejamos la entrevista completa, que puedes leer a continuación.

Primero que todo, muchas gracias por conversar con nosotros. Partamos hablando por su aniversario como banda, cumplieron 18 años hace muy poco, por lo que quiero preguntarles ¿cuál consideran que ha sido el mayor logro en su carrera?

El momento más importante que hemos tenido fue cuando el avión se atrasó cinco horas para venir a Chile (risas). Estamos bromeando, ha sido una carrera muy larga así que hemos tenido muchos momentos muy importantes, dentro de esos por supuesto en venir hasta Chile, es uno de los más grandes que hemos tenido. De todas formas, entre tantos momentos buenos es imposible elegir solamente uno.

Se ve un gran deseo en ustedes por ser una banda global, lo que es contrario a bandas japonesas más antiguas que son muy populares allá pero nunca han logrado o intentando siquiera salir al mundo. ¿Creen que hay una mayor ambición en la nueva generación del rock japonés?

Es una pregunta muy profunda, es difícil de responder pero es una muy buena pregunta. Creemos que es algo que hemos pensado mucho en el último tiempo, ya que hemos sido llamados de varios países para ir a tocar últimamente, aunque en general no sé si es algo que hubiésemos deseado. Nos gusta mucho el animé y el manga desde niños, así que nuestro sueño era hacer una canción que se pudiera usar como el tema principal de una serie. En la medida que íbamos haciendo música y generábamos un vínculo con ella, nos llamaron y nos ofrecieron hacer canciones para animé, lo que fue de mucha suerte porque eran series muy conocidas en todo el mundo, así que eso permitió que nosotros también podamos serlo. Para nosotros, que algo que nos gustara tanto se conectara con llegar a nuestra salida hacia el mundo, es un poco una casualidad pero también obra del destino. Entre la música japonesa y la occidental, preferimos más la segunda, así que intentamos incluir algunos de esos elementos en el groove de nuestras canciones, queremos que la música se entienda desde el cuerpo, queremos que incluso si alguien no entiende el japonés, pueda disfrutar nuestras canciones desde la melodía y el ritmo. Eso ha ayudado a que nuestra música conecte con el resto del mundo y podamos llegar hasta lugares como Chile para presentarnos.

Mi siguiente pregunta va por ese lado, precisamente. Grabaron una nueva versión de “FLY HIGH!!” con la letra en inglés, y cuando otras bandas japonesas han hecho esto el recibimiento no ha sido el mejor. Pienso en el caso de X JAPAN, que cuando cantaban sus canciones en inglés no eran muy bien recibidas por los fans, pero con ustedes fue todo lo contrario. ¿Han pensado en grabar un disco con reversiones cantadas en inglés?

Nos sorprende mucho saber que la canción tuvo un buen recibimiento. Al estar en Japón no teníamos idea que le había ido tan bien a esta nueva versión, así que no hemos pensado en lo que nos preguntas. Es una muy buena noticia, y aunque no lo hemos analizado, es una posibilidad hacer un disco con versiones en inglés, siempre que el público lo quiera. Esperamos que la gente nos comente en nuestras redes sociales y nos apoye, para así estar al tanto cuando quieran que hagamos más canciones en inglés.

Hablemos del proceso creativo de la banda a la hora de componer una canción para algún animé. Entiendo que principalmente se inspiran leyendo el manga pero no sé si esto siempre es así. ¿Les pasa que a veces ya tienen una canción y deciden trabajarla para que sea usada en la serie?

Muchas gracias por revisar algunas de nuestras entrevistas para esta conversación, estamos muy entretenidos respondiendo porque traes muy buenas preguntas (risas). Son todas muy certeras, se nota que estás muy bien preparado

Les agradezco mucho, genial que podamos tener una grata conversación.

Respondiendo a lo anterior, en general tenemos dos patrones para componer estas canciones. Generalmente, si es que el tiempo lo permite, cuando nos llega una solicitud para una canción de animé intentamos entregar dos propuestas, una canción que ya teníamos desde antes con la letra ajustada para lo que se necesite en el momento, y otra que sea creada desde cero inspirándose en el manga original o la obra animada. Entre las dos opciones, el equipo de producción del animé hace una selección, la que siempre es más o menos pareja entre una y otra. Dicho esto, insistimos en que son muy buenas preguntas, nunca nos habían preguntado este tipo de cosas y estamos muy agradecidos.

No hay de qué, muchas gracias nuevamente. La siguiente pregunta es para Kazuumi, entiendo que una de sus metas es hacer la banda sonora para un animé, ¿tienes algún animé o género en mente que te gustaría trabajar cuando logres cumplir ese objetivo?

Efectivamente, uno de mis sueños es poder hacer la banda sonora para un animé o película, aunque lamentablemente no se ha dado la oportunidad. En un momento se habló de poder hacer la banda sonora de un videojuego, pero el proyecto se tuvo que detener en un momento, así que no hay nada por ahora. En la industria del animé hay gente especialista que se dedica exclusivamente a la producción de bandas sonoras, entonces no es como llegar y entrar a hacer eso, pero quiero intentarlo y trabajar arduo para lograr eso. Espero algún día hacer una banda sonora para un animé.

Se nos acaba el tiempo, así que vamos con una última pregunta para cada uno: ¿cuál es la meta que tienen como músicos para el futuro?

Taiyu Ishikawa: El animé es parte de la cultura de Japón, así que me gustaría poder llevar esa cultura a todo el mundo a través de nuestra música.

Takuya Hirose: Desde el año pasado hemos recibido muchas ofertas para tocar en distintos países del mundo, pero aún no logramos tener un concierto solo para nosotros, solo en festivales o convenciones. Queremos seguir creciendo para eventualmente tener nuestros propios conciertos en otros países.

Kazuumi Kumagai: Uno de mis sueños es lograr ganar un Grammy. Lo veo desde la perspectiva que, hasta ahora, no se ha visto mucho que un japonés gane un Grammy, probablemente porque lo que funciona musicalmente para el oído japonés es muy distinto para lo que va bien en el resto del mundo. Siento que en nuestra música en particular, puede haber algo que resuene más con el resto del mundo, no solo con Japón, así que estamos aprovechando esta gira internacional para saber qué funciona bien en el mundo y lograr mezclar eso con lo nuestro, algo que se puede hacer solamente en Japón. Esperamos que esa formula nos haga ganar un Grammy ya sea tocando, produciendo, o de la manera en la que sea.

Muchas gracias por su tiempo, chicos. Nos vemos en el show.

Gracias a ustedes por la conversación, ¡nos vemos!

Burnout Syndromes se presentará los días 18 y 20 de mayo en Estación Mapocho como parte de Super Japan Expo 2023. Toda la información sobre el evento la encuentras ACÁ.

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