En 2015, sólo en lo referente a salas comerciales, se estrenaron más de 200 películas en Chile, es decir, un promedio aproximado de 4 títulos semanales. Por dónde se mire, es un desafío casi imposible el ver todo lo que llegó a salas locales, al menos para una persona que no se dedica exclusivamente a aquello, pero como somos un equipo de cine numeroso –en comparación a lo normal– y sobre todo dedicado, cumplimos el objetivo de visionar cada una de ellas.
Al igual que nuestra lista de Mejores Discos Internacionales 2015, el proceso acá es muy parecido: ver cada película y entregar al editor una calificación, luego se aúnan esos puntajes, dando como resultado los puestos que verán a continuación.
Este año redujimos a 20 nuevamente la tanda destacada –a diferencia de nuestra lista 2014, y al igual que la lista 2013– básicamente porque la calidad de lo que llegó fue inferior en comparación a años anteriores, lo que mirado en perspectiva se reduce prácticamente al 10%. Pudimos hacer una lista más larga, sin embargo, y por lo anteriormente mencionado, se hubiese sentido como “títulos de relleno” más que por una calidad óptima de aquellas obras.
Por supuesto, esta lista es sólo el resultado de gustos individuales llevados a lo grupal, es decir (y siempre hacemos hincapié en esto), es una lista de consenso; una apreciación colectiva basada en la diversidad de paladar cinematográfico de cada una de las personas que componen nuestro equipo.
Puedes pinchar en los títulos o afiches de cada película para ir a la crítica que hicimos en el día de estreno de las películas. Y siempre recordar que el margen de esta lista está puesto por lo estrenado sólo en cines de Chile durante 2015, independiente del año que sean y de lo que se haya estrenado en otros países.
“Shaun The Sheep Movie”, Mark Burton y Richard Starzak
Cuando hay una historia entrañable, personajes encantadores y trabajados desde su núcleo, y un stop-motion impecable, cualquier diálogo es totalmente prescindible en un relato que resulta ser emocionante tanto para niños como para adultos. Esta joya de los Estudios Aardman, que partió siendo una serie para la TV británica, lamentablemente pasó casi desapercibida entre tanto estreno. Una lástima, pues en esta obra se mezclan con ingenio elementos de fábula, valores y enseñanzas para la vida, y referencias a la cultura pop. ¿Quién esperaría en una película infantil un guiño a “Breaking Bad”, o una sátira a la cultura mediática de los memes, sin dejar de ser inocente? Tierna, cálida y con una profundidad abrumadora, “Shaun El Cordero: La Película” es prolija en cuanto a guión, dirección y sobre todo en animación. Entretenida y enriquecedora por dónde se la mire.
Es 1965 en Estados Unidos, y como medida de presión para acelerar la aletargada gestión del presidente Lyndon B. Johnson para otorgar igualdad de voto a los afroamericanos, el Dr. Martin Luther King decide organizar una marcha desde la cuidad de Selma a Montgomery. Pocas veces en el cine se ha tocado con tanto orgullo y dignidad el tema de la lucha por los derechos civiles en ese país. En ningún momento se busca impactar, ni tampoco distinguir entre buenos y malos. Lo que hizo Ava DuVernay fue mostrar la estupidez a la que puede llegar la humanidad, al mismo tiempo que la belleza que conlleva la lucha por la justicia y la igualdad. Para esto es clave la actuación de David Oyelowo, quien se sumerge en la piel de Luther King hasta llegar a desaparecer dentro del personaje. Su misión no es mostrarlo como un héroe, sino como la voz de los que no podían expresarse.
Con el alcance de la inteligencia artificial a la vuelta de la esquina y el cine de ciencia ficción expectante de cada nuevo avance que permita fantasear sobre la infinidad de nuevas posibilidades, era de esperarse que la historia de Alan Turing, padre de las primeras máquinas “pensantes”, fuera elevada al formato cinematográfico. Una muy bien lograda estética propia del momento histórico retratado e impecables actuaciones, potencian esta historia de por sí fascinante, donde se exponen las diversas aristas de la persona que hay más allá del genio matemático: una suerte de autómata con dificultades para relacionarse, que llegaría a inmiscuirse con tópicos tan controversiales como la defensa de las minorías sexuales o la equidad de género en un contexto sumamente conservador. La cinta explora los rincones de su personalidad, que podrían entenderse como un enigma en sí mismo.
Depurada de siths, midiclorians y Jar Jar Binks, la saga intergaláctica más famosa de todos los tiempos pudo volver a empezar como siempre debió hacerlo. Han pasado treinta años desde que el Imperio cayera, y la galaxia se encuentra sumida en una guerra civil entre el Primer Orden y la Resistencia. Escenario más que fértil para el surgimiento de los nuevos héroes: Rey, una chatarrera curiosa con las leyendas de los jedi, y Finn, un soldado que busca algo más en la vida que sólo cumplir órdenes. Concentrando todos los viajes por el universo, coloridos escenarios y luchas con espadas laser que volvieron legendarias a las originales, esta nueva Star Wars fue una continuación más que auspiciosa para la saga. Quizás su gran mérito fue el haber trascendido a la nostalgia: es cierto que Han Solo y compañía están de vuelta, pero son Rey y Finn quienes llevan la película de la mano.
“Deux Jours, Une Nuit”, Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne
La última entrega de los premiados hermanos Dardenne es una historia que destaca por su realidad y capacidad de generar empatía, pero no de esa lejana y momentánea, sino de aquella que logra posicionarnos en un contexto y situación de una manera intensa y verídica. Un fenómeno logrado a partir de actuaciones perfectas, en donde Marion Cotillard hace uso de todas sus capacidades para reflejar distintas emociones y hacerlas llegar al espectador de forma tan natural, que se hace imposible escapar de ellas. Por otro lado, también nos encontramos con una cotidianeidad que desborda en todo minuto en la pantalla de cine, y que, al igual que las actuaciones, contribuye a sentir la cinta como propia, en donde la realidad se funde con la representación cinematográfica, formando ambas parte de un mismo relato, directo y potente, que remueve y nos lleva a reflexionar.
Aislamiento, soledad y el poder de la mente humana para resolver problemas, son los ingredientes que “Misión Rescate” pone a sus pies para otorgar una historia donde la ciencia es la protagonista. Perdido en Marte, el astronauta Mark Watney (Matt Damon) debe ingeniárselas para sobrevivir en el ambiente hostil del planeta rojo, sin dejarse llevar por la pérdida de esperanza y tomando todo con humor y cabeza fría, dentro de lo posible. La cinta de Ridley Scott, basada en la novela de Andy Weir, nos lleva a conocer los parajes magnánimos y silenciosos del planeta vecino, con una historia de supervivencia más cómica que trágica, y más inteligente que fantasiosa. Astuta, emotiva y, sobre todo, humana, “Misión Rescate” es un gran ejemplo del poder de la ciencia unida a la inteligencia y la genialidad en tiempos adversos, todo ello llevado con gran oficio a la pantalla grande.
El foco está en una casa habitada por cuatro sacerdotes al cuidado de una monja, donde los pasados sombríos son tan comunes como las carreras de galgos; las apariciones de otro padre y un vagabundo dinamitan la paz que pudo haber existido allí, cubriéndose todo de un manto angustioso y desplegándose los dobleces de una cinta con personajes que son la mixtura misma de repulsión y magnetismo. Aunque cada rincón parezca estar torcido, hay algo que escapa de dudas: Larraín es punzante y compone una crítica arrolladora. Articulada perfectamente desde su escritura y estética –y dueña de actuaciones bestiales–, la película pone a cada momento en entredicho, incomodando y abofeteando como sólo las obras gigantes saben hacerlo. Con el mejor de sus cinco filmes, Larraín golpea la mesa y exige ser reconocido como lo que es: uno de los mejores cineastas chilenos de las últimas dos décadas.
El argumento: las audiciones para una adaptación teatral de la novela homónima de Sacher-Masoch. Dos personajes y una única locación es todo lo que necesitó Roman Polanski para construir una historia sumamente atrapante, de diálogos rápidos que esconden tras de sí giros sutiles pero progresivos, que llevan a sus protagonistas a ser presa real de la historia de obsesión y sadomasoquismo que están representando: más allá de los eventos, el motor de la historia es puramente el desarrollo de sus personajes. Quizá el elemento implícito de mayor atractivo es la redefinición del arquetipo de femme fatale, pero en un formato mucho más humano, dotada de imperfecciones que, a la vez, forman parte de su irresistible encanto, ese del que ni el más testarudo de los directores de teatro logra escapar; encanto del que también será presa hasta el más incauto de los espectadores.
Luminosa y tormentosa a la vez, “El Botón de Nácar” es una historia de dos partes y al mismo tiempo de una sola. Por un lado, el relato de la desaparición y despojo sobre todo cultural de los Kawéskar; y por otro, el de las violaciones a los derechos humanos cometidas en la dictadura militar, que, entre otras terribles prácticas, incluyó el lanzamiento de cuerpos vivos y muertos al mar. Dos historias que hablan de exterminio, pero también de conexión y memoria, en las que Patricio Guzmán –inquebrantable, como siempre– arma pedazos y vestigios de un Chile borroneado a través del agua, océanos, ríos y cosmos. Narrada por su propio director, la última obra de Patricio Guzmán se une como otra pieza trascendental para entender nuestra identidad e historia de este territorio que, pese a los escabrosos intentos, sigue persistente en sus habitantes y en la naturaleza.
La única queja que se podría tener hacia “Te Sigue”, es que haya sido publicitada como una película de terror, algo que siempre genera réditos monetarios, pero que termina por mermar la percepción final del espectador. Y es que “Te Sigue” va más por la senda de cintas como “Donnie Darko”, donde la atmósfera creada es la piedra fundamental para un entramado rico en subtextos, apelando a la respuesta que nos pueda dar la autoconsciencia más que a la que nos lleva la razón en estado puro. Como sea, es innegable que el segundo largometraje de David Robert Mitchell es un triunfo en todos los sentidos, ya sea por su forma de filmar, por su evidente metáfora, o por la tensión que genera el armado de sus secuencias, y seguramente se transformará en un título que el tiempo se encargará de darle el sitial que merece, aunque no se enmarque en el género específico en la que quisieron etiquetarla.
A sus cortos 26 años, el canadiense Xavier Dolan sorprende con su quinto film, en el que no sólo demuestra la rápida madurez que ha alcanzado en términos cinematográficos, sino también deja en claro la indiscutible capacidad que posee para describir las relaciones humanas con admirable detalle y lucidez. “Mommy” relata el drama de una madre viuda que carga con el peso de amar demasiado a un hijo, quien sencillamente no tiene la culpa de la violencia latente en sus actos, consecuencia de serios trastornos psicopatológicos combinados con una entrañable sensibilidad que le lleva a corresponder el amor maternal de una forma impredecible, retorcida, propia no sólo del trastorno padecido, sino también de esa vorágine llamada adolescencia. Un trabajo donde los juegos de encuadre llegan a decir tanto como los personajes mismos; técnica y argumento vuelven de esta obra un imperdible.
El misterio policial más enredado y, al mismo tiempo, una de las relaciones de pareja más complejas del cine sólo podían llegar de la mano de Paul Thomas Anderson. Joaquin Phoenix interpreta a “Doc” Sportello, un investigador privado a quien su ex novia, Shasta Fey (Katherine Waterston), le encarga el trabajo de encontrar a un multimillonario. Haciendo uso de hipnóticos planos largos, tomas compuestas al detalle y una banda sonora única, Anderson volvió a la comedia para dar vida a una película que da para verla mil y una veces. Aparte de Phoenix, el elenco incluye a Josh Brolin, Owen Wilson, Benicio Del Toro y Reese Witherspoon, todos en personajes tan complejos como graciosos, e incluso, a ratos, enternecedores. Puede que “Vicio Propio” resulte compleja con su narrativa no lineal, pero está repleta de momentos inolvidables y un subtexto tan variado como el universo mismo.
Considerando la calidad de su filmografía, el director canadiense Denis Villeneuve se encuentra absolutamente calificado para silenciar suspicacias y decir que el tema del narcotráfico relacionado a los carteles aún puede acercarse desde otro prisma. Y es que “Sicario” no apela al simple ejercicio de constatación de una realidad que para todos es conocida, sino que fundamenta un ensayo acerca de cómo los elementos participados en ella se ordenan para concluir en una lectura donde el concepto de lo correcto y lo incorrecto alcanza sus cotas de mayor ambigüedad. Aquí, el grueso de los personajes ha necesitado perder en términos de sensibilidad para reforzar una visión que no medie en cuestiones morales, entendiendo que cualquier muestra de humanidad para las condiciones establecidas serían inviables. Sólo hay que recordar que la tensión exponencial es la consigna.
Sin dejar de lado el trasfondo histórico en que la historia está inserta, “Ida” se muestra como un cuento, un sencillo roadtrip hacia el descubrimiento de la identidad. La cinta polaca que ganó el Oscar es un ejemplo de contar lo justo con lo necesario. Económica, compacta, precisa, ningún plano falta ni sobra en la historia de Anna, una joven que, previo a hacer los votos para convertirse en monja, debe aventurarse descubrir un secreto de su familia en la Polonia de 1960. Su celebrada fotografía consiste en la opción por el blanco y negro, aspecto 4:3 y delicadas composiciones que reducen a sus personajes en planos que se sostienen por minutos, dotando de belleza, extrañeza y soledad el viaje en que se embarca la protagonista, aquel de ganar la autonomía para ser capaz de tomar decisiones y encontrar su identidad, estableciendo su lugar propio en el mundo.
Es difícil quedar impasible cuando una película se asume cual espejo de un sistema social, más allá de que el argumento sorprenda en un admirable ejercicio instigador de los vicios políticos o la propia historia tenga su arraigo en otra cultura; de cualquier manera, la experiencia de fondo es básicamente la misma para cualquier lugar. “Leviatán” se transforma en el perfecto ejemplo de lo anterior, cuando logra plantear una realidad que es macro y transversal a través de un problema que puede ser tristemente cotidiano: tu vida, tus esfuerzos y todo lo que conoces, puestos justo en medio de la desestimación implacable de la figura autoritaria que te mira como un número y no como una persona, mientras la interna de tu familia se va descubriendo hacia un punto ilusorio. Ciertamente, el cine mediante un largometraje como “Leviatán” se convierte en una expresión invaluable.
¿De qué otra manera podríamos recibir a una película como “Boyhood, Momentos De Una Vida” más que siendo el reflejo de nosotros mismos? La capacidad que el largometraje tiene de evocar nuestros recuerdos más tempranos, terminan involucrándonos afectivamente sobre los asuntos de cada uno de los personajes presentes en la historia, asumidos aquellos en imágenes que resultan inevitablemente entrañables. Y es que la cinta dirigida por Richard Linklater eres tú, tu hermano/a, o tu amigo/a usando un cubrecamas percudido de Dragon Ball Z, haciendo la coreografía de la canción que pasa a ser atemporal, tomando reticente una de tus primeras cervezas al lado de gente más grande o atravesando una desilusión amorosa que te vulnera en la adolescencia. “Boyhood, Momentos De Una Vida” nos recuerda que esto, en el mejor de los casos, se trata de dolor y alegría por partes iguales.
¿Qué falta por hacer cuando ya se le ha otorgado vida a objetos inanimados, o personalidad humana a los animales? Darle vida a las emociones. Así es como Alegría, Tristeza, Furia, Desagrado y Temor, los cinco protagonistas que viven en la cabeza de la pequeña Riley, nos llevan a un nuevo e impensado universo interior, que pasa inadvertido la mayor parte del tiempo, pero que nos acompaña desde el nacimiento hasta el final del camino. La última obra de la fábrica de sueños Pixar, imagina con destreza y cariño cómo las emociones nos guían en el difícil proceso que es crecer. La compañía nos vuelve a sorprender y maravillar con una historia emocionante, llena de momentos memorables y cuya animación extraordinaria, sumado a la música sublime de Michael Giacchino, vuelve a dejar la vara alta a las producciones infantiles que los adultos también podemos disfrutar sin culpa.
“Birdman Or (The Unexpected Virtue Of Ignorance)”, Alejandro González Iñárritu
“Birdman” generará discusiones por mucho tiempo. Es de aquellas cintas que no pasan indiferentes ni por sus máximos defensores, que la posicionan entre las más recientes obras maestras, ni por sus detractores, que la consideran un fraude, un ejercicio vacío e indulgente. Alejando González Iñárritu deja atrás el miserabilismo que teñía sus obras previas y se vuelca derecho a la farsa. Su película revaloriza el arte de la actuación con algunos de los mejores exponentes del año y apoya en él su trama principal, otorgándole la responsabilidad de mantenernos atentos a base de interacciones ininterrumpidas, todo logrado gracias a la masterclass en fotografía que logra Lubezki en su famosa simulación de un plano secuencia a lo largo de la cinta. Es digno de sorpresa que algo con los elementos de “Birdman” se haya hecho hoy en día y salga victoriosa de sus pretensiones.
En tiempos donde “nada es imposible” o “querer es poder” parecen ser premisas fundamentales para la vida moderna, Damien Chazelle nos advierte de los límites y desbordes que puede tener la búsqueda de la perfección. A través de la historia de un joven que aspira a convertirse en uno de los grandes del jazz, Chazelle da cuenta de la intensidad y el esfuerzo que exigen ser el mejor, pero también la soledad y la frustración que puede implicar tal meta, más aún cuando el maestro resulta ser un terrible e implacable juez de cada uno de los intentos, y que no duda en usar la humillación como aliciente para llegar al objetivo. Un mensaje terrible, quizá, pero sumamente atrapante que, conjugado con un extraordinario montaje, un ritmo y sonido envolvente, sumado a sus poderosas actuaciones, hacen disfrutar y, sobre todo, sufrir, cada alto y bajo de su protagonista como si fuera propio.
La irrupción de una de las vueltas más esperadas de 2015, estuvo a la altura de las expectativas y quizá más. Frenética, distópica y contingente, “Mad Max: Furia En El Camino” es heredera de las mejores cualidades de su saga, pero también es un golpe de revitalización a la trilogía. A través de la fuga de Furiosa (Charlize Theron), quien será apoyada azarosamente por Max Rockantasky (Tom Hardy), “Mad Max” se renueva en forma y fondo. Mediante una fotografía impecable de paisajes desérticos que exaltan la tosquedad y miseria del mundo post-apocalíptico, y una trama centrada tanto en las mujeres y su liberación, como en las vicisitudes de los subordinados, esta vez bajo el poderío de Immortan Joe (Hugh Keays-Byrne), George Miller opta por no irse a lo obvio, ofreciendo una historia dura, compleja y violenta, pensada considerando tanto pasado, presente y futuro.
A mediados de diciembre llegará finalmente “Avatar: The Way Of Water“, nueva obra de James Cameron y secuela de la película de 2009 y que cuenta con un casting compuesto por Sam Worthington, Zoe Saldaña, Sigourney Weaver, Stephen Lang y Kate Winslet. Hoy tenemos el trailer oficial de la cinta, cuya historia se sitúa una década después de los eventos de la primera cinta, contando la historia de la familia Sully, Jake, Neytiri, y sus hijos, abordando su dinámica familiar y los constantes problemas en las batallas que deben mantener para seguir con vida.
Cuando hay una historia entrañable, personajes encantadores y trabajados desde su núcleo, y un stop-motion impecable, cualquier diálogo es totalmente prescindible en un relato que resulta ser emocionante tanto para niños como para adultos. Esta joya de los Estudios Aardman, que partió siendo una serie para la TV británica, lamentablemente pasó casi desapercibida entre tanto estreno. Una lástima, pues en esta obra se mezclan con ingenio elementos de fábula, valores y enseñanzas para la vida, y referencias a la cultura pop. ¿Quién esperaría en una película infantil un guiño a “Breaking Bad”, o una sátira a la cultura mediática de los memes, sin dejar de ser inocente? Tierna, cálida y con una profundidad abrumadora, “Shaun El Cordero: La Película” es prolija en cuanto a guión, dirección y sobre todo en animación. Entretenida y enriquecedora por dónde se la mire.
Es 1965 en Estados Unidos, y como medida de presión para acelerar la aletargada gestión del presidente Lyndon B. Johnson para otorgar igualdad de voto a los afroamericanos, el Dr. Martin Luther King decide organizar una marcha desde la cuidad de Selma a Montgomery. Pocas veces en el cine se ha tocado con tanto orgullo y dignidad el tema de la lucha por los derechos civiles en ese país. En ningún momento se busca impactar, ni tampoco distinguir entre buenos y malos. Lo que hizo Ava DuVernay fue mostrar la estupidez a la que puede llegar la humanidad, al mismo tiempo que la belleza que conlleva la lucha por la justicia y la igualdad. Para esto es clave la actuación de David Oyelowo, quien se sumerge en la piel de Luther King hasta llegar a desaparecer dentro del personaje. Su misión no es mostrarlo como un héroe, sino como la voz de los que no podían expresarse.
Con el alcance de la inteligencia artificial a la vuelta de la esquina y el cine de ciencia ficción expectante de cada nuevo avance que permita fantasear sobre la infinidad de nuevas posibilidades, era de esperarse que la historia de Alan Turing, padre de las primeras máquinas “pensantes”, fuera elevada al formato cinematográfico. Una muy bien lograda estética propia del momento histórico retratado e impecables actuaciones, potencian esta historia de por sí fascinante, donde se exponen las diversas aristas de la persona que hay más allá del genio matemático: una suerte de autómata con dificultades para relacionarse, que llegaría a inmiscuirse con tópicos tan controversiales como la defensa de las minorías sexuales o la equidad de género en un contexto sumamente conservador. La cinta explora los rincones de su personalidad, que podrían entenderse como un enigma en sí mismo.
Depurada de siths, midiclorians y Jar Jar Binks, la saga intergaláctica más famosa de todos los tiempos pudo volver a empezar como siempre debió hacerlo. Han pasado treinta años desde que el Imperio cayera, y la galaxia se encuentra sumida en una guerra civil entre el Primer Orden y la Resistencia. Escenario más que fértil para el surgimiento de los nuevos héroes: Rey, una chatarrera curiosa con las leyendas de los jedi, y Finn, un soldado que busca algo más en la vida que sólo cumplir órdenes. Concentrando todos los viajes por el universo, coloridos escenarios y luchas con espadas laser que volvieron legendarias a las originales, esta nueva Star Wars fue una continuación más que auspiciosa para la saga. Quizás su gran mérito fue el haber trascendido a la nostalgia: es cierto que Han Solo y compañía están de vuelta, pero son Rey y Finn quienes llevan la película de la mano.
La última entrega de los premiados hermanos Dardenne es una historia que destaca por su realidad y capacidad de generar empatía, pero no de esa lejana y momentánea, sino de aquella que logra posicionarnos en un contexto y situación de una manera intensa y verídica. Un fenómeno logrado a partir de actuaciones perfectas, en donde Marion Cotillard hace uso de todas sus capacidades para reflejar distintas emociones y hacerlas llegar al espectador de forma tan natural, que se hace imposible escapar de ellas. Por otro lado, también nos encontramos con una cotidianeidad que desborda en todo minuto en la pantalla de cine, y que, al igual que las actuaciones, contribuye a sentir la cinta como propia, en donde la realidad se funde con la representación cinematográfica, formando ambas parte de un mismo relato, directo y potente, que remueve y nos lleva a reflexionar.
Aislamiento, soledad y el poder de la mente humana para resolver problemas, son los ingredientes que “Misión Rescate” pone a sus pies para otorgar una historia donde la ciencia es la protagonista. Perdido en Marte, el astronauta Mark Watney (Matt Damon) debe ingeniárselas para sobrevivir en el ambiente hostil del planeta rojo, sin dejarse llevar por la pérdida de esperanza y tomando todo con humor y cabeza fría, dentro de lo posible. La cinta de Ridley Scott, basada en la novela de Andy Weir, nos lleva a conocer los parajes magnánimos y silenciosos del planeta vecino, con una historia de supervivencia más cómica que trágica, y más inteligente que fantasiosa. Astuta, emotiva y, sobre todo, humana, “Misión Rescate” es un gran ejemplo del poder de la ciencia unida a la inteligencia y la genialidad en tiempos adversos, todo ello llevado con gran oficio a la pantalla grande.
El foco está en una casa habitada por cuatro sacerdotes al cuidado de una monja, donde los pasados sombríos son tan comunes como las carreras de galgos; las apariciones de otro padre y un vagabundo dinamitan la paz que pudo haber existido allí, cubriéndose todo de un manto angustioso y desplegándose los dobleces de una cinta con personajes que son la mixtura misma de repulsión y magnetismo. Aunque cada rincón parezca estar torcido, hay algo que escapa de dudas: Larraín es punzante y compone una crítica arrolladora. Articulada perfectamente desde su escritura y estética –y dueña de actuaciones bestiales–, la película pone a cada momento en entredicho, incomodando y abofeteando como sólo las obras gigantes saben hacerlo. Con el mejor de sus cinco filmes, Larraín golpea la mesa y exige ser reconocido como lo que es: uno de los mejores cineastas chilenos de las últimas dos décadas.
El argumento: las audiciones para una adaptación teatral de la novela homónima de Sacher-Masoch. Dos personajes y una única locación es todo lo que necesitó Roman Polanski para construir una historia sumamente atrapante, de diálogos rápidos que esconden tras de sí giros sutiles pero progresivos, que llevan a sus protagonistas a ser presa real de la historia de obsesión y sadomasoquismo que están representando: más allá de los eventos, el motor de la historia es puramente el desarrollo de sus personajes. Quizá el elemento implícito de mayor atractivo es la redefinición del arquetipo de femme fatale, pero en un formato mucho más humano, dotada de imperfecciones que, a la vez, forman parte de su irresistible encanto, ese del que ni el más testarudo de los directores de teatro logra escapar; encanto del que también será presa hasta el más incauto de los espectadores.
Luminosa y tormentosa a la vez, “El Botón de Nácar” es una historia de dos partes y al mismo tiempo de una sola. Por un lado, el relato de la desaparición y despojo sobre todo cultural de los Kawéskar; y por otro, el de las violaciones a los derechos humanos cometidas en la dictadura militar, que, entre otras terribles prácticas, incluyó el lanzamiento de cuerpos vivos y muertos al mar. Dos historias que hablan de exterminio, pero también de conexión y memoria, en las que Patricio Guzmán –inquebrantable, como siempre– arma pedazos y vestigios de un Chile borroneado a través del agua, océanos, ríos y cosmos. Narrada por su propio director, la última obra de Patricio Guzmán se une como otra pieza trascendental para entender nuestra identidad e historia de este territorio que, pese a los escabrosos intentos, sigue persistente en sus habitantes y en la naturaleza.
La única queja que se podría tener hacia “Te Sigue”, es que haya sido publicitada como una película de terror, algo que siempre genera réditos monetarios, pero que termina por mermar la percepción final del espectador. Y es que “Te Sigue” va más por la senda de cintas como “Donnie Darko”, donde la atmósfera creada es la piedra fundamental para un entramado rico en subtextos, apelando a la respuesta que nos pueda dar la autoconsciencia más que a la que nos lleva la razón en estado puro. Como sea, es innegable que el segundo largometraje de David Robert Mitchell es un triunfo en todos los sentidos, ya sea por su forma de filmar, por su evidente metáfora, o por la tensión que genera el armado de sus secuencias, y seguramente se transformará en un título que el tiempo se encargará de darle el sitial que merece, aunque no se enmarque en el género específico en la que quisieron etiquetarla.
A sus cortos 26 años, el canadiense Xavier Dolan sorprende con su quinto film, en el que no sólo demuestra la rápida madurez que ha alcanzado en términos cinematográficos, sino también deja en claro la indiscutible capacidad que posee para describir las relaciones humanas con admirable detalle y lucidez. “Mommy” relata el drama de una madre viuda que carga con el peso de amar demasiado a un hijo, quien sencillamente no tiene la culpa de la violencia latente en sus actos, consecuencia de serios trastornos psicopatológicos combinados con una entrañable sensibilidad que le lleva a corresponder el amor maternal de una forma impredecible, retorcida, propia no sólo del trastorno padecido, sino también de esa vorágine llamada adolescencia. Un trabajo donde los juegos de encuadre llegan a decir tanto como los personajes mismos; técnica y argumento vuelven de esta obra un imperdible.
El misterio policial más enredado y, al mismo tiempo, una de las relaciones de pareja más complejas del cine sólo podían llegar de la mano de Paul Thomas Anderson. Joaquin Phoenix interpreta a “Doc” Sportello, un investigador privado a quien su ex novia, Shasta Fey (Katherine Waterston), le encarga el trabajo de encontrar a un multimillonario. Haciendo uso de hipnóticos planos largos, tomas compuestas al detalle y una banda sonora única, Anderson volvió a la comedia para dar vida a una película que da para verla mil y una veces. Aparte de Phoenix, el elenco incluye a Josh Brolin, Owen Wilson, Benicio Del Toro y Reese Witherspoon, todos en personajes tan complejos como graciosos, e incluso, a ratos, enternecedores. Puede que “Vicio Propio” resulte compleja con su narrativa no lineal, pero está repleta de momentos inolvidables y un subtexto tan variado como el universo mismo.
Considerando la calidad de su filmografía, el director canadiense Denis Villeneuve se encuentra absolutamente calificado para silenciar suspicacias y decir que el tema del narcotráfico relacionado a los carteles aún puede acercarse desde otro prisma. Y es que “Sicario” no apela al simple ejercicio de constatación de una realidad que para todos es conocida, sino que fundamenta un ensayo acerca de cómo los elementos participados en ella se ordenan para concluir en una lectura donde el concepto de lo correcto y lo incorrecto alcanza sus cotas de mayor ambigüedad. Aquí, el grueso de los personajes ha necesitado perder en términos de sensibilidad para reforzar una visión que no medie en cuestiones morales, entendiendo que cualquier muestra de humanidad para las condiciones establecidas serían inviables. Sólo hay que recordar que la tensión exponencial es la consigna.
Sin dejar de lado el trasfondo histórico en que la historia está inserta, “Ida” se muestra como un cuento, un sencillo roadtrip hacia el descubrimiento de la identidad. La cinta polaca que ganó el Oscar es un ejemplo de contar lo justo con lo necesario. Económica, compacta, precisa, ningún plano falta ni sobra en la historia de Anna, una joven que, previo a hacer los votos para convertirse en monja, debe aventurarse descubrir un secreto de su familia en la Polonia de 1960. Su celebrada fotografía consiste en la opción por el blanco y negro, aspecto 4:3 y delicadas composiciones que reducen a sus personajes en planos que se sostienen por minutos, dotando de belleza, extrañeza y soledad el viaje en que se embarca la protagonista, aquel de ganar la autonomía para ser capaz de tomar decisiones y encontrar su identidad, estableciendo su lugar propio en el mundo.
Es difícil quedar impasible cuando una película se asume cual espejo de un sistema social, más allá de que el argumento sorprenda en un admirable ejercicio instigador de los vicios políticos o la propia historia tenga su arraigo en otra cultura; de cualquier manera, la experiencia de fondo es básicamente la misma para cualquier lugar. “Leviatán” se transforma en el perfecto ejemplo de lo anterior, cuando logra plantear una realidad que es macro y transversal a través de un problema que puede ser tristemente cotidiano: tu vida, tus esfuerzos y todo lo que conoces, puestos justo en medio de la desestimación implacable de la figura autoritaria que te mira como un número y no como una persona, mientras la interna de tu familia se va descubriendo hacia un punto ilusorio. Ciertamente, el cine mediante un largometraje como “Leviatán” se convierte en una expresión invaluable.
¿De qué otra manera podríamos recibir a una película como “Boyhood, Momentos De Una Vida” más que siendo el reflejo de nosotros mismos? La capacidad que el largometraje tiene de evocar nuestros recuerdos más tempranos, terminan involucrándonos afectivamente sobre los asuntos de cada uno de los personajes presentes en la historia, asumidos aquellos en imágenes que resultan inevitablemente entrañables. Y es que la cinta dirigida por Richard Linklater eres tú, tu hermano/a, o tu amigo/a usando un cubrecamas percudido de Dragon Ball Z, haciendo la coreografía de la canción que pasa a ser atemporal, tomando reticente una de tus primeras cervezas al lado de gente más grande o atravesando una desilusión amorosa que te vulnera en la adolescencia. “Boyhood, Momentos De Una Vida” nos recuerda que esto, en el mejor de los casos, se trata de dolor y alegría por partes iguales.
¿Qué falta por hacer cuando ya se le ha otorgado vida a objetos inanimados, o personalidad humana a los animales? Darle vida a las emociones. Así es como Alegría, Tristeza, Furia, Desagrado y Temor, los cinco protagonistas que viven en la cabeza de la pequeña Riley, nos llevan a un nuevo e impensado universo interior, que pasa inadvertido la mayor parte del tiempo, pero que nos acompaña desde el nacimiento hasta el final del camino. La última obra de la fábrica de sueños Pixar, imagina con destreza y cariño cómo las emociones nos guían en el difícil proceso que es crecer. La compañía nos vuelve a sorprender y maravillar con una historia emocionante, llena de momentos memorables y cuya animación extraordinaria, sumado a la música sublime de Michael Giacchino, vuelve a dejar la vara alta a las producciones infantiles que los adultos también podemos disfrutar sin culpa.
“Birdman” generará discusiones por mucho tiempo. Es de aquellas cintas que no pasan indiferentes ni por sus máximos defensores, que la posicionan entre las más recientes obras maestras, ni por sus detractores, que la consideran un fraude, un ejercicio vacío e indulgente. Alejando González Iñárritu deja atrás el miserabilismo que teñía sus obras previas y se vuelca derecho a la farsa. Su película revaloriza el arte de la actuación con algunos de los mejores exponentes del año y apoya en él su trama principal, otorgándole la responsabilidad de mantenernos atentos a base de interacciones ininterrumpidas, todo logrado gracias a la masterclass en fotografía que logra Lubezki en su famosa simulación de un plano secuencia a lo largo de la cinta. Es digno de sorpresa que algo con los elementos de “Birdman” se haya hecho hoy en día y salga victoriosa de sus pretensiones.
En tiempos donde “nada es imposible” o “querer es poder” parecen ser premisas fundamentales para la vida moderna, Damien Chazelle nos advierte de los límites y desbordes que puede tener la búsqueda de la perfección. A través de la historia de un joven que aspira a convertirse en uno de los grandes del jazz, Chazelle da cuenta de la intensidad y el esfuerzo que exigen ser el mejor, pero también la soledad y la frustración que puede implicar tal meta, más aún cuando el maestro resulta ser un terrible e implacable juez de cada uno de los intentos, y que no duda en usar la humillación como aliciente para llegar al objetivo. Un mensaje terrible, quizá, pero sumamente atrapante que, conjugado con un extraordinario montaje, un ritmo y sonido envolvente, sumado a sus poderosas actuaciones, hacen disfrutar y, sobre todo, sufrir, cada alto y bajo de su protagonista como si fuera propio.
La irrupción de una de las vueltas más esperadas de 2015, estuvo a la altura de las expectativas y quizá más. Frenética, distópica y contingente, “Mad Max: Furia En El Camino” es heredera de las mejores cualidades de su saga, pero también es un golpe de revitalización a la trilogía. A través de la fuga de Furiosa (Charlize Theron), quien será apoyada azarosamente por Max Rockantasky (Tom Hardy), “Mad Max” se renueva en forma y fondo. Mediante una fotografía impecable de paisajes desérticos que exaltan la tosquedad y miseria del mundo post-apocalíptico, y una trama centrada tanto en las mujeres y su liberación, como en las vicisitudes de los subordinados, esta vez bajo el poderío de Immortan Joe (Hugh Keays-Byrne), George Miller opta por no irse a lo obvio, ofreciendo una historia dura, compleja y violenta, pensada considerando tanto pasado, presente y futuro.
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